海伦娜・阿尔梅达（Helena Almeida，1934–2018）亚洲首个大型个人回顾展「海伦娜・阿尔梅达：我在这里—— 在场与回响」现于澳门艺术博物馆展出。展览分为「在场」与「回响」两个单元，其中「回响」由中国美术学院跨媒体艺术学院宋振、澳门艺术博物馆沙海花（Margarida Saraiva）、梁惠萍及禤广瑜联合策展，邀请6位来自内地与澳门的女性艺术家，以全新委约作品回应阿尔梅达的创作精神。

以「身．物．像」为主题，「回响」从身体出发，透过对符号、本相与想像的观照与解构，探索媒介边界与生命主体性，也让阿尔梅达对身体、存在与感知的探问，在新的文化语境中延续，展开一场中葡之间的当代艺术对话。

从「在场」到「回响」

「阿尔梅达的作品经常以身体、空间、感知和自我表现为核心，探索人类存在的本质，这与她青年时代欧洲兴起的现象学和存在主义哲学思潮高度契合。」联合策展人代表禤广瑜在展场内介绍道。

在策展思路上，展览以「在场」与「回响」构成双轴叙事：前者系统展出阿尔梅达不同时期的代表作品，后者则邀请内地和澳门艺术家，以当代创作展开回应。禤广瑜指出，「回响」本身亦有清晰主题――「身．物．像」，即身体、物性与现象。艺术家并非模仿阿尔梅达，而是在其艺术形式与思想基础上重新创作，让观众进一步思考自身的主体性与存在处境。

他认为，以澳门作为桥梁，邀请内地艺术家参与，再由葡萄牙策展人统筹，「回响」不只是一个展览单元，更是一场深层次的中葡文化交流。

六位艺术家，六种回应方式

6位艺术家风格各异，禤广瑜将她们的作品大致归纳为身体、媒材与哲学三个维度。

在「身体」维度上，黄咏瑶的《自我救赎》与《自我陷阱》以行为影像探索自我边界与束缚；陈安琦的高跟鞋系列，以陶瓷揭示美丽与疼痛之间暧昧而矛盾的关系；高芙雁的《田思》则把习字格绘于身体之上，再转化为摄影作品，刻画个体与社会规训之间的无声互动。

在「媒材」维度上，闵罕的炭笔绘画呼应了阿尔梅达贯穿艺术生涯的「素描意识」；孙晓宇的《身如瀑布》则以接近阿尔梅达标志性蓝色的单色影像，探讨身体流动性，也带出东方气韵。

至于「哲学」维度，彭韫的《物．石．萨尔达坂村》透过清洗与贴金的仪式性行为，让石头成为肉身映照自身的镜子；高芙雁的《时间碎片》则以人工智能生成不存在的人脸，同时将观众被打印出来的肖像销毁，追问虚拟时代中个人身份与形象的形成与消散。

禤广瑜认为，6位艺术家并非单纯复制阿尔梅达的艺术语言，而是以各自的生命经验与文化脉络，与这位葡萄牙先驱展开对话。「这些作品既致敬阿尔梅达对身体、存在与感知的执着探问，也让她的精神在新的时空与语境中延续、变奏，形成真正意义上的跨文化回响。」

回到身体，也回到观看现场

修读哲学出身的禤广瑜，也从现象学角度进一步阐释阿尔梅达作品的观看方式。他提到，现象学创始人胡塞尔（Edmund Husserl）提出「回到事物本身」，而梅洛庞蒂（Maurice Merleau-Ponty）则进一步指出，在回到事物之前，必须先回到身体。阿尔梅达正是让身体成为意识指向世界的枢纽，使作品不只是平面影像，而是一种身体与世界相互塑造的动态过程。

在他看来，观众走进展场亲身观看，本身就是一种「在场」的完成。「阿尔梅达的作品非常强调在场性和空间感，到现场观看，和只在网上看图片，感受是完全不同的。」

对首次接触阿尔梅达作品的观众，他建议以开放而好奇的心态进入展厅，放慢脚步，细看作品中身体姿态如何挑战边界、颜色如何象征自由与限制，以及作品如何在静止之中传递流动的生命力。「不要急于寻找『正确』答案，而是让感官经验带领你进入作品，体会那种暧昧而诗意的张力。」

回响—— 身．物．像 艺术家分享

陈安琦

高跟鞋意象中的美与痛

专攻陶瓷与雕塑的视觉艺术家陈安琦，自2015年起便以高跟鞋作为创作核心，将其转化为女性身份认同与脆弱性的雕塑隐喻。她指出，这次展出的《噬》系列，聚焦高跟鞋审美所带来的身体伤痛――鞋子原应保护双足，却往往成为爱美代价的象征。

「阿尔梅达是运用身体进行艺术实践的先驱，她的作品充满力量，将自身化为艺术语言。当我深入研究她的创作后，我发现我们的连接点在于：都以个人的身体经验作为创作原点。」在她看来，自己与阿尔梅达的共通之处，在于同样以身体作为叙事主体；不同之处则是，阿尔梅达更直接将身体作为创作工具，而她更强调身体作为「承受」与「感知」的存在。

她形容，这次创作是一场深刻的自我梳理，也让她重新思考如何在长期创作中持续深化一个核心命题。

彭韫

以贴金仪式回应身体叙事

多媒体艺术家彭韫擅长透过影像、表演、摄影等复合媒介，探索性别认同、自我认知与身体议题。这次展出的《物．石．萨尔达坂村》，透过表演性影像与复合媒介，重新思考身体与物质、时代与存在之间的关系。

「我与阿尔梅达关注的核心十分相近：都是回到人最真实的存在状态，回到身体、回到物、回到当下，探讨人与世界最根本的连结。」她说，在影片里，自己以身体去触摸、清洗、贴金与停留，用时间沉淀意义；身体既是她进入「物」的路径，也是抵达真实的方式。

谈及「身．物．像」主题，她指出，三者恰好构成作品的整体结构：身是肉身与感知，物是自然与真实，像则是作品最终呈现的影像与时代映照。对她而言，在AI席卷的时代，肉身感知与手作温度尤其值得守护。

从自我出发的内观与回望

黄咏瑶

澳门出生的艺术家黄咏瑶，创作多聚焦数位时代的记忆、神话与文化变迁。这次展出的《自我救赎》与《自我陷阱》，记录两段行为艺术过程，透过自我记录与空间沉浸，回应阿尔梅达对个人与集体记忆的表演性探索。

她坦言，在寻找与阿尔梅达的连接点时，最受触动的是其将工作室化为「戏剧舞台」的空间运用，这也启发她选择在自己的房间与工作室进行影像创作，把私密空间转化为叙事现场。

「我把雕塑语言融入表演性录像，在静态物件与动态身体之间展开对话。」以《自我陷阱》为例，她把一个处于待发状态的捕鼠器固定在脚上，每当试图挣脱束缚，便会触发机关，形成循环张力。她认为，对主客体关系的模糊处理，正是自己与阿尔梅达最深的共鸣点。

高芙雁

在数字时代重写身体与图像

中国摄影师兼视觉艺术家高芙雁，擅长透过摄影、录像及社会实践，捕捉与转译被忽视的日常。这次展出的两件新作，皆可视为她过往创作的延续与升级。

她介绍，装置作品《时间碎片》最早版本诞生于2006年，这次重新演绎时，更集中在影像层面，运用AI技术对观众五官进行重组与合成，并让生成的人脸与被粉碎的观众肖像形成对照。另一件《田思》则以身体局部作为叙事线索，把田字格与身体并置，探讨生命成长与书写之间的关联，以及女性在其中面对的限制与困境。

她认为，这次创作让她得以与阿尔梅达展开一场跨时空的精神共振：一方以身体探讨空间、影像与自我的边界，另一方则立足数字时代，思考演算法重构下的自我如何被解构与重塑。

闵罕

突破与重组中的深沉观念

身兼艺术家、策展人及当代艺术与策展研究博士的闵罕，现为中国美术学院跨媒体艺术学院副教授、副院长。她长期从技术与观念角度探索媒介表现方法、感知机制与图像生产之间的关系。

她此次以炭笔绘画回应阿尔梅达贯穿一生的「素描意识」，并进一步触及对传统绘画技艺的突破与重组，以及对人类普遍生存境遇的关注。

谈及阿尔梅达以身体为核心的思想，闵罕表示，身体与文化建构、权力、知识形成的体系息息相关。她认为，阿尔梅达启发当代创作者重新思考人与自身、人与社会、人与宇宙及人与精神的关系。作品《深渊．大章鱼》则构建出阿尔梅达《可居住的画作》的深海版本，也映照出身体与自然灾变、宇宙命运之间的深沉连结。

孙晓宇

呈现「消融」与「虚拟」的双重回响

身兼影像艺术家、策展人及中国美术学院跨媒体艺术学院实验艺术系教师的孙晓宇，擅长以多屏影像装置构建空间叙事，在对肉身与维度的探索上，与阿尔梅达「影像作为可居空间」的策略形成回应。

她分享，这次创作路径从走进自然、以肉身完成《身化悬河》，到运用AI技术建构数字灵体的《涷湍悬太古》，最终在澳门这片东西文化交汇之地，与阿尔梅达展开跨越时代的精神对话。

在她看来，身体同时是媒介、主题与批判载体，也是通往精神觉醒的入口。「从瀑布间消融的身躯，到数字空间中悬置的灵体，整套作品所呈现的是：身是观看者，物是世界，像是时代留给我们的精神镜像。」

这既延续了阿尔梅达提出的艺术命题，也在东方美学与数字语境之中完成新的突破。

文：郑美盈 图：宋楚珊 澳门艺术博物馆